Por qué debes Comunicarte mejor con tus Actores

Por qué debes Comunicarte Mejor con tus Actores

Dirigir cine es un oficio apasionante… ¡Pero también conlleva una serie de complicaciones y de responsabilidades! Entre otras, está la de transmitir correctamente, y de forma efectiva, tu visión al resto del equipo.

Piénsalo: ¿cómo puede tu equipo ayudarte a hacer realidad tu visión, si de entrada no la conocen en detalle o bien no has conseguido que se impliquen en ella? Y si esto ya es fundamental con departamentos como Producción, Dirección de Fotografía, Sonido, Arte, etc., ¡imagina con tu reparto de actores y de actrices!

Por eso, dado que son responsables de insuflar vida al guión, ¡aquí te explico por qué debes comunicarte mejor con tus actores!

Para generar confianza en el reparto

Lo que a veces sucede es que hay una barrera importante entre la persona que dirige el proyecto y el reparto. Aunque a veces esto puede ocurrir por arrogancia (“Aquí se hace lo que yo diga, que para eso soy el director/la directora“), la mayoría de veces sucede porque no se logra conectar de forma adecuada con los actores y las actrices del proyecto.

Para solucionar esto, se puede trabajar de muy distintas formas: desde apelar a lo plasmado literalmente en el texto, hasta abordar el guión desde un enfoque radicalmente opuesto, ¡pasando por usar técnicas tan variadas como el Eneagrama de las personalidades! ¡La elección es tuya, pero ante todo conviene que potencies tu capacidad comunicativa!

Y es que, en caso contrario, no solamente se producirán errores de comunicación flagrantes que pasarán factura al rodaje, ¡sino que también generarás desconfianza hacia tu capacidad para conducir el proyecto a buen puerto!

Para fomentar su creatividad

Pero no nos quedemos en la superficie: ¿te imaginas de lo que es capaz de ofrecerte tu reparto, si les ofreces la posibilidad de aportar todo cuanto quieran a sus personajes?

No se trata de convertir el proyecto en un batiburrillo de ideas: ¡precisamente la función de un/a director/a es guiar a su equipo hacia una visión de conjunto!

Pero tienes muchas posibilidades, si trabajas con un reparto que entiende perfectamente y ha hecho suyo el proyecto, de que te aporten matices e incluso improvisaciones que jamás hubieras soñado. ¡Y eso no tiene precio, pero pasa por haber generado un clima de confianza y de comunicación sana!

¡Aquí tienes el vídeo!

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Frame "El Espejo"

4 Diferencias entre el Teatro y el Microteatro

Muy recientemente, he tenido la inmensa oportunidad de representar un texto maravilloso, con un equipo inmejorable: “El Espejo”, escrito y dirigido por Esther No Existe y con una compañera tan generosa como Itsaso Frasquier.

La cosa es que hicimos teatro… a pequeña escala. Me explico: era una obra de microteatro, con una duración de aproximadamente 20 minutos y representada en un escenario de tamaño reducido, con el público muy cerca de nosotros en todo momento.

Pese a ser una experiencia prácticamente igual de intensa y exigente que una obra de teatro convencional, existe una serie de diferencias clave entre actuar en un microteatro y una obra teatral. Por eso, ¡en este artículo quiero compartir 4 diferencias entre el teatro convencional y el microteatro!

Frame "El Espejo"

1. TIENES 15/20 MINUTOS PARA ASOMBRAR

La duración no es una diferencia menor: mientras que en una obra teatral, el equipo creativo y artístico tiene una hora o más para provocar todo tipo de emociones en el público, ¡en una obra de microteatro hay que asombrar, emocionar y sorprender al público en apenas un cuarto de hora!

Esto hace que el ritmo sea mucho más picado, y que la intensidad emocional en los diálogos y las acciones tenga que ser mucho mayor. Con 15 o 20 minutos, apenas hay espacio para tiempos muertos, y esto no solo es aplicable al texto sobre el que se trabaja… ¡Tan importante es que el texto se sostenga, como que el reparto mantenga en todo momento la atención e implicación del público!

Y es que perder la conexión con la audiencia una sola vez puede marcar la diferencia entre que les guste nuestro trabajo, o que les resulte indiferente

 

2. EL ESPACIO ES MUCHO MÁS REDUCIDO

Este punto está muy ligado al siguiente de la lista: el escenario suele ser mucho menos espacioso que en una sala de teatro convencional. Es más, ¡muchas veces ni siquiera suele haber un escenario como tal!

En muchas ocasiones, interpretar en una obra de microteatro implica actuar en una sala, donde la ficción planteada por la obra y el público conviven sin franja separatoria alguna. Esto plantea una serie de limitaciones gestuales y de movilidad, ¡pero también ofrece muchas oportunidades!

Por ejemplo, en Microteatre Barcelona se ha jugado muchísimo con el espacio y con innovar narrativamente, gracias a la tecnología. Esto implica que, en distintas obras, como “No estamos solos” (dirigida por Manuel Mira y donde actué junto a Ricard Balada), ¡incluso nos permitíamos interactuar con elementos como una pantalla de televisión sincronizada a una videocámara!

Por supuesto, en el teatro convencional también se innova y se juega con estas posibilidades, pero en el caso del microteatro, la corta duración de las piezas y las peculiaridades del espacio ofrecen muchas posibilidades insospechadas, que compensan lo reducido del espacio.

Poster "No estamos solos"

3. El Trabajo de Cuerpo y de Voz es distinto

Habiendo establecido ya que el espacio es muy reducido, también es cierto que eso juega a nuestro favor en cuanto al trabajo de voz. Y es que, en una sala de teatro convencional, es imprescindible proyectar muchísimo la voz en todo momento, incluso en momentos que piden diálogos más bien íntimos y cercanos. No en vano, ¿cómo queremos que los espectadores de las últimas filas sepan qué estamos diciendo, si no proyectamos hacia ellos nuestras voces?

Sin embargo, en microteatro el tamaño de la sala es menor, y eso también implica que hay menos asientos, menos filas y menos espectadores. Esto, interpretativamente, permite una mayor intimidad entre el reparto, y algo más de relajación a la hora de proyectar la voz. Esto no quiere decir en absoluto que no haya que hacer llegar nuestro diálogo a la audiencia (¡Faltaría más!), pero sí que el esfuerzo e incluso la impostación vocal son algo menores.

Además, el trabajo de cuerpo es completamente distinto. Nuestra expresividad debe estar algo más rebajada, en función de cuan cerca se encuentre el público de nosotros/as. Y es que lo que, en un escenario de gran tamaño y con un público separado, parece natural, ¡en una obra de microteatro puede resultar forzado o demasiado histriónico!

Así pues, es fundamental para cualquier actor o actriz, hacer un ejercicio de comprensión sobre el espacio en que nos movemos, para así calibrar adecuadamente qué trabajo expresivo, corporal y vocal debemos ofrecer para que el público entre en nuestro juego.

 

4. LA CERCANÍA CON EL PÚBLICO

Finalmente, y éste es un punto que ha sido clave en todos los anteriores: ¡en microteatro sueles tener al público casi rozándote! Esto implica, no solo regular tu intensidad física y emocional (como ya he mencionado antes), sino que la energía que la audiencia ofrece se siente en todo momento durante nuestro acting, ¡incluso condicionándolo!

En muchas ocasiones, me ha pasado que he reaccionado actoralmente de una forma u otra, en función de si el público estaba tenso, se reía, de si notaba a alguien emocionarse, de si se asustaban… ¡Es un proceso mágico, y personalmente recomiendo sucumbir a él!

A todos/as nos condiciona, en mayor o menor medida, la forma como reacciona el público a cómo nos estamos desnudando emocionalmente. Por eso, es mejor no resistirse, sino aceptarlo y abrazarlo, integrando los estímulos y la energía que el público nos da, y usando esa energía a favor del texto. ¡Los resultados siempre son mágicos y logran sorprenderme!

Selfie "No estamos solos"

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Cómo evitar el Bloqueo de la Página en Blanco

Cómo evitar el Bloqueo de la Página en Blanco

Escribir un guión de teatro, cine o publicidad, así como una novela, un relato corto… es un ejercicio creativo de lo más apasionante. ¡Y es que no existen límites hacia nuestra imaginación!

Pero hay un pánico al que tod@s l@s escritor@s y creativ@s nos enfrentamos casi a diario… ¡Esa odiosa, temida y aterradora página en blanco! Después de muchos guiones a mis espaldas, y una novela autoeditada y autopublicada en Amazon, puedo decirte algo con total seguridad: ¡esa sensación nunca desaparece!

Por eso, inspirado por numerosas conversaciones con amig@s y conocid@s, y por haber descubierto el libro “Libera tu magia” de Elizabeth Gilbert, ¡aquí te dejo un post sobre cómo evitar el bloqueo de la página en blanco!

Ace Ventura loco
Así acaba un@ escribiendo…

1. Escribe lo primero que se te ocurra

Haz esto. TAL CUAL. Ni te lo pienses. Muchas veces, la razón por la que la página en blanco continúa inmaculada, es simplemente porque no tenemos claro cómo arrancar.

En la escritura, igual que en el deporte de alta competición, el arranque siempre es la parte más complicada. Por supuesto, el resto del camino también importa, pero un buen arranque te dará muchísimas posibilidades de llegar victorios@ a tu meta.

¿Qué significa esto? Que lo mejor que puedes hacer es, si no sabes cómo empezar a andar en tu historia, ¡echa a correr, sin pensar en hacia dónde quieres llegar! Como mínimo, avanzarás mucho más que quedándote donde estás.

Y es que la técnica de la escritura automática lleva siendo utilizada por grandes artistas desde tiempos inmemoriales. Grosso modo, se trata de dejar fluir tu imaginación y transcribir lo primero que se te ocurra, sin juzgar ni censurar. Ya tendrás tiempo de revisar y de ser todo lo perfeccionista que desees, pero por ahora se trata de que AVANCES, y de que sientes los pilares en los que se sostendrá tu historia.

Porque una página en blanco es solo eso: la nada más absoluta.

2. Organiza previamente tus ideas

Personalmente, antes de ponerme a escribir el guión, relato o novela en cuestión, siempre elaboro un documento. Ese documento es la biblia del proyecto: contiene un listado de personajes principales y secundarios, una descripción lo más detallada de cada uno de estos personajes, una sinopsis completa de la trama, una escaleta…

Y es que, para mí, la mejor forma de evitar callejones sin salida, incoherencias argumentales, agujeros de guión o, directamente, bloqueos creativos, es zambullirme completamente en el universo que estoy creando.

Conocer a fondo el mundo que estoy componiendo con cada detalle, así como todos los rasgos distintivos que hacen únicos a los personajes, es lo que me permite después dejar fluir mis ideas e improvisar sobre la marcha. Un ejemplo de ello es mi novela “Las Muletas del Quijote”: su último capítulo y el desenlace fueron ideas de última hora, que me hicieron cambiar por completo el final que tenía pensado desde hacía meses. Pero para llegar a este punto, primero hizo falta mucha dedicación previa.

A fin de cuentas, siempre digo que “para jugar, primero hay que hacer los deberes“.

3. Asume que lo primero que escribas nunca será lo definitivo

Este punto es súper importante, no imaginas hasta qué punto. Muchas veces, nos empeñamos en que lo que estamos escribiendo sea impecable, y que refleje a la perfección la gran historia que tenemos en nuestro corazón, y en nuestra mente.

¡Error! Escribir es reescribir, y por más que te empeñes, por muy bien que narres tu historia desde el primer borrador, ¡siempre acabarás haciendo cambios, mejoras y correcciones!

Pero aquí viene lo bueno: esto no solamente es positivo, ¡sino que es muy necesario! Conviene que escribas un primer borrador, se lo envíes a tres o cuatro personas de tu absoluta confianza (¡Eso sí, cúrate en salud y regístralo antes!), que lo dejes reposar y te tomes un merecido descanso.

Así, cuando regreses al proyecto, ya con un feedback de las personas que han leído, podrás revisarlo con la mente más fresca, y detectarás cosas a mejorar que antes ni se te hubieran pasado por la cabeza.

Por eso mismo, ¡relájate y escribe “lo que se te salga”!

Gato escribiendo

4. Mantén a raya tu perfeccionismo

Recientemente, descubrí en el Instagram de Nacho Muñoz (un verdadero crack del Marketing y como formador) una frase que me gusta mucho, y que sin saberlo ya era mi mantra, mi lema personal. La frase en cuestión decía lo siguiente:

HECHO es mejor que PERFECTO“.

Abrumadora, ¿verdad? Y es que muchas veces, en más ocasiones de las que desearíamos, nos dejamos arrastrar por el miedo que comentaba en el punto anterior: el miedo a que lo que escribamos no esté a la altura de la gran y perfecta idea que tenemos en nuestra cabeza.

O, peor todavía: esa necesidad a la que nos agarramos, mucho más destructiva que creativa, de que lo que presentemos al mundo esté perfecto.

Lo primero que hay que asumir es, sencillamente, que la perfección NO EXISTE. Es un invento de nuestras mentes, y por definición es contraria al mundo. La naturaleza hace su trabajo de forma brillante, pero también está repleta de accidentes (unos afortunados y otros… no tanto) así como de errores y pifias. Si el mundo no es perfecto, ¿cómo íbamos a serlo nosotr@s, como seres humanos?

Además, la calidad de un texto es totalmente subjetiva. Lo que en tu mente es brillante y redondo, en la mente de otra persona es banal o está por pulir todavía.

Me duele horrores hablar con personas con un talento brillante para la escritura, y que me digan que no publican sus textos ni siquiera en un blog, bien porque son demasiado perfeccionistas, o bien porque temen enseñar su creatividad al mundo. Personalmente, creo que cada persona tiene un don en su interior, lo desarrolle o no, ¡y que ese don solo tiene sentido si es compartido!

Así pues, si me aceptas un humilde consejo: ignora al pequeño saboteador de tu mente que te hace procrastinar, y escribe, escribe y ESCRIBE. ¡Y publica, que seguro que habrá muchas personas deseosas de saber qué historias eres capaz de narrar!

5. Tómate un descanso… ¡por ahora!

A veces, nos centramos tanto en hacer, hacer y hacer que nos olvidamos de relajarnos, desconectar y respirar un poco.

Vivir es muy necesario para crear, así que te recomiendo que, de vez en cuando y siempre que lo necesites, descanses un poco. Haz otras cosas, sal a hacer deporte (¿Sabías que el ejercicio fomenta nuestra creatividad?), ve al cine, ve al teatro, lee, sal a tomar algo… ¡Y toma el aire!

Todo esto no solo te hará salir de tu fase de estancamiento o bloqueo, sino que mejorará tu estado de ánimo, y para cuando vuelvas a ponerte a escribir, ya más fresco, te sentirás más predispuesto creativamente.

Eso sí, ¡que tu descanso no sea un pretexto para procrastinar!

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